La historia es sencilla, la vida de dos mujeres en una situación deplorable. En una casa vieja y jardines grises.
También es una de las peliculas favoritas, me gustan los personajes, me gustan sus acciones, me gusta como se muestran ante una cámara muy íntima, me gusta la cámara que nos encierra en su mundo muy particular, me encanta la locura disfrazada, me gusta su sencilles en todos los sentidos, me parece que su gran virtud es la sencilles con la que se maneja en todos los aspectos. Grandes actuaciones.
Es una película acerca del estado de toda una sociedad, estados de animo, estados de enfermedad, paranoia y acercandoce tambien a esa doctrina del Shock que justo se creo en esas epocas.
Son tiempos de la Guerra fría y también son tiempos de inocencia, es incredible ver como la sociedad ha evolucionado tanto, creo que estamos justo en el momento del parteaguas de pensamiento, los medios masivos nos proporcionaron una nueva cosmovision que en esos tiempos aun no conseguiamos, se muestra a una sociedad credula, que aprende poco a poco y aun le cuesta trabajo no creer en lo que las imágenes en movimiento nos muestran.
Atomic Cafe es la prueba de dos cosas principalmente: una es la fuerza de los medios y otra es la evolucion de pensamiento no de un pais sino de todo el planeta.
Y con esta película también caben varias cuestiones:
¿ De qué nos reiremos después ?
¿ En qué clase de engaños estamos cayendo en este momento ?
¿ Será el cine el invento que transformó el pensamiento del hombre?
¿ Cuánto tiempo nos durará la emoción de ver esos fantasmas proyectados en la pared?
Desde una dinámica de juego de Mesa, podemos descubrir lo que cada quien representa en el mundo. Las cosas que de verdad importan y las cosas que nunca importaron se muestran para quizá sorprendernos en nuestra búsqueda de una verdad que siempre se muestra lejana.
Lo que somos cuenta mas por lo que hacemos que por lo que decimos. Esta es la conclusión de este ejercicio.
La película oscila entre tres lugares principales, en la mente del acusado (Randall Adams), en la mente del acusador (David Harris) y dentro del sistema de policia de Texas.
Y desde un hecho que bien podría ser amarillista (un asesinato a un policía llamado Rober Wood) y hacerlo espectacular, Errol Morris decide mas bien, y acertando en la tcnica, a una realización mas bien meticulosa y nada a gran escala, eso se agradece pensando en que menos es mas. A través de entrevistas y recreaciones este film pasa a ser una película muy decente y bien manejada en su contenido y forma. Que ademas, en un genero non-fiction me parece que es fundamental que la forma y contenido esten bien acorde y manejados sin excesos.
Pocos saben de la existencia de este concierto en 1972, y es de suponerse pues la importancia que se puede suponer a un hombre de color es la misma que se le dan a sus actividades, a su vida en general.
El discurso racial es el principal objetivo y con este, poner a bailar a todos, mas que curioso es impresionante ver como el 99.9 % de las personas que asisten a este concierto son de color, mas allá del discurso sigue siendo música, y música que debe gustar hasta “la tia conchita” . De poder ser una oportunidad para demostrar la cultura adquirida a través de los años, este evento se plasma mas como de contracultura, contraponiendose a lo que fue el concierto mas grande de todos “Woodstock” en 1969. En realidad lo unico que sobresale es la calidad del audio que es muy Buena y me parece mas importante el evento en si que el documental sobre ese evento, el cual no posee nada fuera de serie.
Hablaré acerca de como un objetivo se transforma en otro y así las reacciones. De un suceso del espectáculo se crea otro mucho más espectacular, y el peso de la sociedad en el manejo de los hechos. Gimme Shelter queda como uno de los primeros videos en la era de los mass-media, el poder de las imágenes comienza a plantearse como algo más importante, la imagen muta de pronto y lo que vemos son más reacciones no solo del público sino también de los protagonistas. Es también muestra de muchos síntomas ya bien conocidos ahora, el amarillismo, la transformación de los hechos, la espectacularidad, lo inmediato; todo por supuesto con sus propios heroes y antiheroes. El manejo también del “detras de cámaras” es un punto a resaltar, la práctica de grabar todo y a todos nos adelanta lo que será la televisión en un futuro.
Estas cuestiones son planteadas en este documental de los hermanos Maysles, en el cual, ademas de investigar como es el trabajo de un vendedor de biblias en Estados Unidos, se pone en cuestión su propia existencia, esto quiza no era del todo sabido por los Maysles, sin embargo si existe una constante cuestión acerca del por que se tiene que trabajar de esa forma, lo que nos muestran al parecer es un trabajo que ademas de complicado, no dejà ganancia alguna, si acaso una ganancia espiritual y muy personal, pues esa costumbre que se tenia del vendedor de puerta en puerta ya no existe tal cual, como un trabajo del cual puedas vivir tranquilamente.
Se muestran actitudes sociales que nos predicen sobre un comportamineto mucho menos abierto a lo social, personas que ya no confian en nadie, una actitud bastante comun al dia de hoy pero que en aquellos tiempos comenzaba a ser extraño la forma en que, poco a poco, la sociedad se va desintegrando para convertirse en pequeñas sociedades bien definidas y mucho mas cerradas y en las cuales el acceso se restringue cada vez mas. Este trabajo consistió en seguir a lo largo de varios estados de los Estados Unidos a vendedores de biblias, captando desde su llegada a las casas, la forma de hablar y el contenido de su discurso, luego su disgusto.
Estas cuestiones son planteadas en este documental de los hermanos Maysles, en el cual, ademas de investigar como es el trabajo de un vendedor de biblias en Estados Unidos, se pone en cuestión su propia existencia, esto quiza no era del todo sabido por los Maysles, sin embargo si existe una constante cuestión acerca del por que se tiene que trabajar de esa forma, lo que nos muestran al parecer es un trabajo que ademas de complicado, no dejà ganancia alguna, si acaso una ganancia espiritual y muy personal, pues esa costumbre que se tenia del vendedor de puerta en puerta ya no existe tal cual, como un trabajo del cual puedas vivir tranquilamente.
Se muestran actitudes sociales que nos predicen sobre un comportamineto mucho menos abierto a lo social, personas que ya no confian en nadie, una actitud bastante comun al dia de hoy pero que en aquellos tiempos comenzaba a ser extraño la forma en que, poco a poco, la sociedad se va desintegrando para convertirse en pequeñas sociedades bien definidas y mucho mas cerradas y en las cuales el acceso se restringue cada vez mas. Este trabajo consistió en seguir a lo largo de varios estados de los Estados Unidos a vendedores de biblias, captando desde su llegada a las casas, la forma de hablar y el contenido de su discurso, luego su disgusto.
Segun Bazin, el montaje psicológico reproduce el ritmo natural de nuestra persepción. Si pensamos acerca del montaje de "Jovenile Court" podemos ejemplificar claramente este tipo de montaje, en donde cada plano precede a otro similar y así todo el montaje en su totalidad nos presenta un conjunto de escenas que van muy acorde con el documental, esto ocaciona que nunca salgamos de un mismo espacio, que pensemos que todo es en un mismo tiempo o incluso en un solo día, es la psicología aplicada en cada plano, creando continuidad y ayudandonos en la captación de un discurso bien definido. Me parece que Wiseman más allá de denunciar a una institución, nos muestra que esa institución está comprometida con cada uno de los jóvenes que aparecen en pantalla, cada plano fortalece los comportamientos de las autoridades, como centrandose más en el cuidado de las palabras y la reacción que tienen estas palabras en los jóvenes y los padres de estos. Me parece que es un buen ejercicio de montaje psicológico, en donde la cámara sigue los mismos puntos que nosotros seguiríamos si estuvieramos ahí, por ejemplo, creo que ningún close up sobra ni nos incomoda. Y toda la coherencia depende no solo de cada plano sino también en la selección de estos planos a la hora de montar.
En la imagen una joven que llora en un close up. Lo mismo que haríamos si estuvieramos ahí.
Estoy bien seguro que lo más dificil de un artista, es impresionar al público tonto. Dificil que se percaten de lo sublime, o minimamente que sepan de lo que se habla, yo siendo un público tonto agradezco que me brinden la oportunidad de impresionarme. Personas ciegas corriendo a máxima velocidad nunca lo habia visto antes, pero ¿qué se necesita además de una cámara y personas ciegas? Conseguir que esas personas confíen en ti y todo eso junto, absorberlo con la cámara para después proyectarlo.
Aqui, como en todos los trabajos exquisitos, se nota la sencibilidad nata para forjar situaciones, personajes nunca forzados, niños actuando de verdad. Los formalistas afirman que entre la fotografía y la realidad hay una distancia irreductible, pero creo que Van der Keuken nos demuestra lo contrario, o esa distancia que parece irreductible es tan mínima que nos lleva a situaciones dadoras de profundas sensaciones. Claramente podemos ver que el conflicto entre forma y contenido dentro del arte, con el cine queda muy disminuido, el contenido sobrepasa por mucho a la forma, en el documental el caracter naturalista y realista es nuestra premisa.
El sonido toma una doble fuerza cuando ademas de lo que escuchamos, nos enseñan el caracter nostalgico de ese sonido.
Definitivamente una de mis películas favoritas. Y diré por que:
Posee sentimientos en cada diálogo que se escucha, siempre en armonía con la imagen, los diálogos de Daniel nos dan mucha más información que el significado de las palabras, siempre tienen más connotaciones, siempre alentando el caracter nostálgico que tanto me gusta.
Tiene presente, pasado y furuto, no usados cronológicamente pero si ligados en su contenido, y divididos claramente por su forma, con esto la riqueza de la película aumenta bastante.
Musicalmente hablando, estoy sorprendido, Danielo Johnston es uno de esos artistas natos que no logras percibir a primera vista pero cuando lo sabes ya ha sobrepasado cualquier espectativa y lo único que te queda es suspirar por su riqueza que viene desde la humildad.
Hay historias de amor, historias de drogas, de fiestas, conciertos íntimos, de locura y delicuencia, todo dentro de la narración de su vida y su evolución en todos los sentidos.
Es una película multi formato, dandole una inmediata una belleza material .
Tiene referencias diversas, de locura, creatividad y de todo tipo de belleza, se muestra en pantalla personajes tan queridos como Silvia Plath o Antonin Artaud, Matt Groening o mi consentido Woody Allen.
Daniel Johnston un personaje bien escrito, asi como te lo pediría tu maestra de Guión. Personaje a quien quieres y siempre recordarás.
“O Dreamland” tiene dos principales conexiones , una con “Crónica de un verano” y otra con “The man with the movie camera”, por un lado es un retrato de una ciudad completa y que parece tener mucha historia y por otro es una interpretación del propio autor de una sociedad que se antoja mas bien aturdida e incomoda con la propia realidad. Linsay Anderson llena sus imágenes de signos y de mucho discurso, en donde cada imagen avanza paralelamente con la música.
Es también, una pelicula adelantada a su tiempo, podria ser una de las primeras películas en hablar de la enajenación de una sociedad controlada, podría ser también una película de culto y también una película de caracter experimental con búsquedas metafóricas. La riqueza de Linsay Anderson radica en la multiplicidad de significados que se le puede dar a su película.
Me parece que son Wiseman Y Depardon los paralelos que trabajan sin ponerse de acuerdo, pero sus peliculas son en muchas cosas parecidas que es imposible no pensar en ellos y comparar sus trabajos. Lo que Depardon intenta más que Wiseman creo que son dos cosas principalmente, buscar una cámara que hable mas por si misma, y tambien exponer aun mas a los que diriguen todas las instituciones. Wiseman es un poco mas reservado y quiere ser más invisible que Depardon, por eso vemos a los actores dirigirse con más tiempo y más frecuencia a la cámara.
En San Clemente podemos ver claramente como la mayoría de los que hablan se diriguen a la cámara más facilmente, digamos que Depardon es un participante de la escena más que Wiseman, aunque nunca tratando de generalizar.
Igual. La forma queda suprimida por el contenido. Depardon sabe muy bien que en cualquier situación puede haber un protagonisa, y los protagonistas de esta película son dadores de drama puro, drama como historia, sus conflíctos y soluciones ocacionales, el concepto de verdad expuesto también como una variante en el hombre, la mentira como una constante e inevitable.
Parece incredible como sin que estemos frente a una camara que se mueve y que busca, el drama se nos pone de frente y no stoma tan fácil, me pregunto si habrá que ser un poco morbosos para poder ver este tipo de película o si el drama llega directo. También me pregunto: ¿El Drama llega desde los relatos que cuentan los protagonistas? O mas bien el drama que importa es como los protagonistas tratan de lidear con las autoridades, y en la medida que lo logran o fallan, los personajes se convierten en heroes o antiheroes.
Lo que es curioso es la forma del film, parece que esta grabado a tres o más cámaras y que hay un switcher que actúa como dramaturgo, eso es algo que me llama muchísimo la atención. Una perfecta edición nos permite ir más allá de lo filmado, lo que aquí sentimos es más debido al montaje que a las propias imágenes. Y no con esto quiero decir que las imágenes sean pobres en contenido, pues es de hecho un excelente retrato de una ciudad de su tiempo, una ciudad con sus personajes propios y que se notan cómodos en su espacio, siempre con Buena música, una película que se mueve.
Veo a “Together” una película que se observa ajena al ser humano, como si el espectador fuera una clase de insecto que mas que juzgar se siente ajeno a su realidad. La cotidianidad y la apariencia como temas principales, contrapuestos con imágenes de niños jugando a la vez que su música, música que a la vez se ve interrumpida por ruidos adultos sin sentido ni valor.
Como todo el Free Cinema, Mazzetti trata de retratar lo más fiel posible una ciudad con sus historias pero aqui Mazzetti, me parece, que además logra una fotografía muy bella, quizá sea por la presencia y sonidos infantiles, o quizá sea por el también gran sonido que nos acompaña a todo momento, pero cada imagen vale perfectamente el tiempo que toma de nuestras vidas.
Pienso que no hay muchas películas así, y existen dos razones por las cuales creo eso, una es por el riesgo que tiene de ser una película tan repugnante por el hecho de aparecer frente a la cámara y dirigirse al p´blico como si lo único que importara fuera el narrador (es una dificultad ser un buen narrador) y la segunda dificultad es que después de hacer tu documental, te das cuenta de que no dijiste nada y que sufres de una esquizofrenia aguda. En este caso no pasa esto, Jim McBride para evitar lo primero, usa a un actor y se deslinda del problema de ser un narciso y aburrido personaje, y nos presenta a un personaje gracioso pero que aun así no logra deslindarse del Segundo problema, hablar dos horas seguidas y nunca ser repetitivo es una tarea casi imposible, a defensa de su discurso McBride nos proporciona también buenas imágenes, que van desde planos secuencias largísimos hasta tomas con lentes de ojo de pez, alternando técnicas según su discurso. Cabe mencionar que la peli fluye de acuerdo a sus distintos tonos.
No hay muchas películas asi porque la mayoría de su estilo son aburridas y vacías. E incluso aun cuando no es un diario, la presencia de un narrador a simple instancia ya es negativa, Michael Moore nos enseña todo.
“Cualquiera que hable de la verdad es un ideólogo".
Curioso que un estadounidense haga ese tipo de películas, siendo Estados Unidos un experto en películas donde todo es bueno y lo malo no es tan malo, momentos planamente maravilloso. Titicut Folies es lo contrario a una época de oro estadounidence.
Titicut Follies es una muestra de que las imágenes pueden superar la realidad, e incluso dando cuenta de nuevos significados a la hora de montar las imágenes. Creo que no es lo mismo comenzar y terminar el film con una fiesta que solo mostrar a los enfermos. “El construccionismo cinematográfico apareció desde las primeras experiencias fílmicas cuando algunos realizadores y críticos señalaron que el cine podía rebasar el registro de los hechos”
Y es justo aqui cuando el cine se puede comparar con todas las demas artes.
Es incluso más fácil usar a protagonistas que a un narrador o voz en off, por ejemplo de como un mismo paciente nos explica de lo mal que son esos procedimientos de curación y en general de toda la institución, instituciones que desaparecieron.
De como el montaje nos advierte métodos inservibles e inútiles, de la alimentación de tubo a la muerte directa.
Es una película redonda con un comienzo y un final acordes, donde se explican dos cosas: por un lado nos enseña un mundo aparte, un mundo que esta escondido entre personas “normales” un mundo del cual no se habla, y por otro lado la poca importancia que se le da a esos lugares, se podría pensar que no pasa nada, que no hay consecuencias y que todas esas personas que manejan el hospital pareciera que estan actuando en un juego llamado “reformando al enfermo” Pues ¿De qué forma son afectadas esas personas? ¿Se dan cuenta de sus errores y asi mejoran? O es mas bien una competencia de a ver quien es el más cinico?
Me parece que lograr mostrar este tipo de contenidos va mas allá de encontrar los temas.
"He rodado filmes que pudieron acabar conmigo en la cárcel"
Segun Bazin, el montaje psicológico reproduce el ritmo natural de nuestra percepción. Si pensamos acerca del montaje de "Jovenile Court" podemos ejemplificar claramente este tipo de montaje, en donde cada plano precede a otro similar y así todo el montaje junto nos presenta un conjunto de escenas que van muy acorde con el documental, esto ocaciona que nunca salgamos de un mismo espacio, que pensemos que todo es en un mismo tiempo o incluso en un solo día, es la psicología aplicada en cada plano, creando continuidad y ayudandonos en la captación de un discurso bien definido. Me parece que Wiseman más allá de denunciar a una institución, nos muestra que esa institución está comprometida con cada uno de los jovenes que aparecen en pantalla, cada plano fortalece los comportamientos de las autoridades, como centrandose más en el cuidado de las palabras y la reacción que tienen estas palabras en los jóvenes y los padres de estos. Me parece que es un buen ejercicio de montaje psicológico, en donde la cámara sigue los mismos puntos que nosotros seguiriamos si estuvieramos ahí, por ejemplo, creo que ningún close up sobra ni nos incomoda. Y toda la coherencia depende no solo de cada plano sino también en la selección de estos planos a la hora de montar.
En la imagen una joven que llora en un close up. Lo mismo que haríamos si estuvieramos ahi.
Como siempre Godard es difícil, y ahora nos muestra un ejercicio de montaje exquisito. La repetición ( y no solo de imágenes sino también del sonido), la pantalla dividida, la manipulación del color, y la superposición, son algunos rasgos de ese montaje que he mencionado. Es una película corta con duración de 52 min. Pero con una carga de información exhaustiva. En ocasiones no sabes si se refiere a Israel o a Francia, no estas seguro de que lado está o por quien habla, y eso te lleva a la confusión acostumbrada ante Godard. Sin embargo la repetición sonora en algunos términos subrayan una postura por siempre revolucionaria.
Si hay algo que a Caouette le gusta es la división de la pantalla, se da la oportunidad, pues sabe que un festival de música se lo permite, de comunicarnos dos cosas al mismo tiempo, el publico por un lado y por otro a los protagonistas que cantan. En momentos esto se convierte en dos películas al mismo tiempo. Sabe retratar desde material ya filmado digamos, saca el mayor jugo del celuloide y nos da el mayor contenido de información. Exaltando todo el universo contenido en un mismo espacio.
Esta es una película que es poco del director y mucho del protagonista. Es la vida de una persona que se graba a si mismo y que su vida da tema para una película, aunque un poco larga, dejando ver los resultados de experimentosa si mismo. Es interesante la forma en que Josh Harris experimenta con él mismo y los alcances que esto tiene. Él mismo se considera un artista. Es un buen ejercicio de semblanza, van desde la isla de Guilingan hasta su aislamiento en África. En esta película, y mucho es decir, el director es mas bien un editor.
Esto más que ser un documental es un reportaje para un programa de televisión dirigido a personas que vivan en los Alpes Franceses. En realidad no noto ningún rasgo significativo, son todas entrevistas a personas con un fondo bonito de montañas, el sonido no es mas que el audio de las entrevistas, la fotografía de igual forma no es mas que los rostros de los entrevistados y en ocasiones si hay paisajes bien retratados. Pero en general fue de lo mas pobre de Ambulante.
Si hay algo que reconocer inmediatamente, es el arduo trabajo que esta película conlleva, 200 horas de material filmado por alguien que no eres tu y resumirlo a dos horas no es un trabajo fácil, además que no solo eres el director sino también el editor y también el guionista. Quizá sea mas fácil hacer una biografía de otra persona que la propia, y debido a eso a esta película le falte el toque especial y delatador de una autobiografía, sin embargo se nota que el director tenia un contacto constante con Richard P. Rogers, el protagonista de la historia, esta es por supuesto una sola posibilidad de todas las formas de hacer esta película, pero al final no queda mas que agradecer la gran labor.
En definitiva, una de las mejores de Ambulante. Es una película que tiene de todo. Una investigación, un problema, un solución, retratos de los héroes y antihéroes, violencia, tecnología, un tema controversial, autoridades que tratan de evitar la misma película, y además de todo eso, un manejo muy afortunado de la historia, parecería que todo esta planeado así porque hay incluso momentos de clímax muy precisos, respaldados por una introducción del tema y de los personajes, momentos históricos y explicaciones científicas, todo perfectamente orquestado para mantener al publico con las manos entrelazadas.
Muy bien a la manera Americana. Un documental para todo público. Un problema importante, su desarrollo, aspectos históricos y su solución casi imposible. Lo que yo subrayo es la fotografía, fijándome solo en ese aspecto me di cuenta que no hay un solo encuadre malo, o mas allá del bien y del mal, todos los encuadres buscan una forma bella, ya sean pollos, vacas o seres humanos, la cámara se coloca bien y además la calidad de la imagen es muy buena, siempre buenos colores y buena luz.
Me parece que lo que te hace sentir más, no es ver los aviones bombardeando el palacio de gobierno chileno, sino el sonido que maneja la película. Tiene una excelente calidad de sonido y además todo acompañado de música, que por supuesto te ubica sentimentalmente, mas allá de las imágenes en blanco y negro que recuerdan momentos atroces, lo que ayuda a sentir es la banda sonora, por ejemplo esa transmisión de radio viejo que anuncia el nuevo descubrimiento en la cura de enfermedades mentales a través de electroshock, da la impresión de un anuncio viejo y por lo tanto obsoleto, dando ya una primera interpretación de lo que será toda la película, y después de ese anuncio de radio viejo, el sonido de un electroshock que de manera muy especial penetra en tus oídos como un sonido de rayo y provocando sensaciones, esto acompañado de imágenes de personas en una camilla siendo lastimadas por estos shocks, todo eso junto se convierte en un momento escalofriante.
Acerca del sonido, que nos muestra uno de los infinitos significados de la imagen, de cualquier imagen, y así, esta película se convierte en una de todas las películas que pueden existir desde las mismas imágenes. Aquí recae la importancia de la investigación y a partir de ella nace la película o el tipo de película. Los prolongados sonidos como de atmosfera telúrica nos da la pauta para comenzar a ver una película de atrocidades humanas (nada bueno puede ocurrir con ese fondo sonoro), todo lo que sigue es pura investigación, a veces la imagen ni siquiera muestra lo que se dice, por eso el sonido, las voces que hablan nos dan todo el significado. Voces en primera persona nos proporcionan otro margen de significación, ya que esta vez escuchamos voces serenas, porque podrían ser voces furiosas por ejemplo y esto sería otra película, con las voces en primera persona tomamos esas palabras mas pesadas, pues los que nos hablan son los mismísimos Tiranos en su propio idioma, quizá desde su tumba.
I never drink and i never smoke. Diálogo desde la imagen.
